C’est toujours excitant de découvrir un tout nouveau groupe de cette qualité.

The Rock-A-Sonics

 

 Willie Barry (chant, guitare acoustique), Eric Hurtt (guitare électrique), Louie Newmyer (contrebasse), Tommy Bowes (batterie) et Kim Reynolds (piano). Ce puissant combo joue un mélange de Rockabilly  avec un côté mélodique solide et du country uptempo.

Shaun Young a parfaitement enregistré le groupe avec un son d'époque dans son studio Jet-Tone.

J'ai déjà écrit toutes les bonnes choses que je pensais de la voix de Barry lorsque j'ai revu son album solo (ici), mais ce chat m'étonne avec sa voix douce qui évoque Ricky Nelson et Faron Young.

Les deux premières chansons sont des originales écrites par Barry. Ce sont, avec le Boppin’ Guitar de Ray Melton, les faces les plus Rockabilly de ce mini-album. Jump, Wiggle & Shake propose une belle partie de piano avec une pause boogie-woogie. Plus de groupes de Rockabilly devraient jouer avec un piano ; il renforce les sections rythmiques et ajoute une voix différente pour les solos. Ain’t No Solid Sender montre Hurtt en pleine action avec une délicate partie de guitare. Give Myself A Party de Don Gibson semble avoir été écrit pour le groupe, et avec la voix de Barry en tête, le groupe fournit un accompagnement subtil. Ils sont très à l’aise avec ce genre de matériel, comme le prouvent leurs interprétations de You Don’t Owe Me A Thing et Knee Deep In The Blues de Marty Robbins.

Revenons un peu en arrière :

Le Maryland est peut-être le huitième plus petit État de l'Union, mais il y a un quintette qui fait beaucoup de bruit sur la scène.Dans l'imaginaire populaire, il ne se classe peut-être pas aux côtés de la Californie ou de New York en tant qu'États américains dotés d'une histoire musicale riche et vibrante, mais des artistes comme Tori Amos, Frank Zappa et le légendaire batteur swing Chick Webb sont tous originaires du Maryland. Aujourd'hui, les Rock-A-Sonics font leur part pour maintenir leur pays d'origine sur la carte du rock. "Il y a beaucoup de bons groupes et de fans de musique dans notre région", déclare le bassiste Louie Newmyer. "Nous ne voyons pas beaucoup de rockabillies présents comme dans les années 90, mais heureusement, il y a beaucoup de gens qui soutiennent les spectacles de musique Roots .Eric : Quand j'étais enfant, il y avait deux disques de mon père que je préférais écouter. L'un était le Golden Records d'Elvis et l'autre était un disque sorti par The  Hill School Titans.J'ai l'impression que ces deux disques ont vraiment donné le ton pour l'avenir, et même si je me suis lancé dans le punk et ce qui était alors de la musique moderne/contemporaine, mes intérêts se sont fortement tournés vers ces sons plus traditionnels. Willie : J'ai toujours été conscient des premiers artistes comme Elvis Presley, Patsy Cline et Hank Williams et je les ai appréciés, mais je dirais que la grande révélation a été lorsque j'ai vu Jerry Lee Lewis en direct au Johnny Cash Show interprétant Whole Lotta Shakin'.Sun Records et ça a fait boule de neige pour moi. Tommy : Le premier disque que j'ai acheté était l'édition américaine des Rolling Stones, sortie en mai 1964, à ce moment-là j'ai su que je voulais devenir batteur. Mes frères et sœurs ont ramené Meet The Beatles à la maison à peu près au même moment, ce qui a eu une forte influence. De plus, ils rapportaient à la maison des disques d’Elvis, de Bob Dylan et des Beach Boys, qui m’ont tous fait une énorme impression. Louie : Dans la région de DC, nous pouvions voir Danny Gatton, Roy Buchanan, Robert Gordon, Go Cat Go et Tex Rubinowitz tout le temps. L'ancien club Twist And Shout a réservé de nombreuses légendes du R&B, du rockabilly, du blues et de la musique Roots. C'était une scène très saine.

Kim : Le groupe existait depuis environ un an sans moi, pour ainsi dire perdu. Ensuite, Tommy a suggéré que je sois amené, ce dont je serai toujours reconnaissant. Eric : Nous nous sommes réunis pour la première fois dans le cadre d'un hommage annuel à Buddy Holly que Louie et Tommy ont contribué à organiser. Louie avait eu vent de Willie, ce jeune homme qui se produisait dans la rue à Frederick, dans le Maryland, chantant des airs de Johnny Cash et d'Elvis. Louie m'a amené à faire partie du groupe d'accompagnement de Willie, et nous nous sommes tous bien entendus musicalement, alors nous avons commencé à chercher des concerts et à ajouter de plus en plus de chansons à notre répertoire.Nous avons convenu de nous réunir pour une répétition. C'était censé être un projet unique, mais ensuite la magie s'est produite, alors nous avons formé un groupe. Un an plus tard, nous avons ajouté Kim Reynolds au piano et ces dernières années, il a ajouté la steel  et le saxophone à son arsenal.

Nous avons commencé à jouer des reprises. Nous faisions tous des suggestions et déterminions en quelque sorte ce qui fonctionnait le mieux pour nous en tant que groupe.Comment fonctionne le processus d’écriture de chansons dans The Rock-A-Sonics ? Eric : Willie apporte généralement les paroles et un aperçu des accords et de la structure globale de la chanson. C'est généralement comme ça que nous commençons. Au fur et à mesure que nous commencerons à travailler sur les chansons, chacun de nous aura des idées sur ses propres parties ainsi que sur celles des autres. Parfois, les chansons se terminent presque là où elles ont commencé, d’autres fois elles évoluent un peu avant d’avoir l’impression qu’elles s’installent dans le bon groove.

Comment vous êtes-vous connecté avec Swelltune Records et Jet Tone Studios pour votre EP 2021 Ain't No Solid Sender ? Willie : Nous connaissions déjà Beck [Rustic, propriétaire de Swelltune Records] et Shaun [Young, propriétaire de Jet Tone Studios] via Viva Las Vegas et The New England Shake-up. Nous avons toujours admiré l'éthique de travail et les goûts musicaux de Beck, donc faire un disque avec la personne  nous semblait naturellement la bonne chose à faire.Nous voulons avoir un son authentique par rapport à la musique que nous connaissons et aimons" WILLIE BARRY

dans une ambiance de performance live plutôt que dans une ambiance studio. J'ai tendance à penser que lorsque vous adoptez l'état d'esprit de pouvoir revenir et patcher ou réenregistrer des parties individuelles, vous avez alors tendance à aborder le processus d'enregistrement comme si tout était remplaçable. Willie : Retrouver ce son rétro est une bonne manière de décrire ce que nous aimerions réaliser, ainsi que la sensation de ce que nous obtenons lorsque nous jouons en live. Nous voulons avoir un son authentique par rapport à la musique que nous connaissons et aimons.ous recevons beaucoup de danseurs à nos spectacles, ce qui est génial. Cela est certainement dû en partie au fait que nous jouons un bon nombre de danses swing dans la région, en plus des bars et des clubs. Je pense que nous considérons tous la Hank Dietle's Tavern comme la « maison » du groupe. Dietle's est un ancien relais routier situé à la périphérie de Rockville, dans le Maryland, qui remonte au début des années 1900. Il y a quelques années, un incendie a eu lieu et Tommy, notre batteur, accompagné de sa femme et d'un autre partenaire, est intervenu pour le sauver. C'est devenu un endroit idéal pour la musique traditionnelle de tous types, avec des groupes locaux et étrangers tous les soirs de la semaine.

Quels ont été les moments forts de votre vie avec The Rock-A-Sonics ? Eric : Nous avons eu d'excellentes opportunités de festivals qui nous ont permis d'atteindre un public bien au-delà de nos salles locales : The New England Shake-up, Viva Las Vegas et The Nashville Boogie. Nous attendons avec impatience notre premier voyage en Europe cet hiver ; nous jouerons en Espagne au Rockin' Race Jamboree.

Avez-vous de grands projets en préparation pour l’année prochaine ? Kim : Pour rocker autant que possible, nous commençons à enregistrer un album en décembre. Eric : Je travaille sur plus d'originaux et d'enregistrements. Et j'espère qu'il y aura encore d'autres opportunités de festivals à l'étranger ! *

 

Elpresse :je n en doute pas

BRAVO a eux .

Jane Rose & The Deadends

 

 

Enfant, Jane Rose a vu le Brian Setzer Orchestra vibrer à la télévision et a su à cet instant qu'elle avait trouvé sa vocation. "Il a définitivement changé le sens de ma vie", déclare Rose. "Je ne peux pas imaginer ce qu'aurait été ma vie sans les avoir trouvés, puis sans les Stray Cats.À partir de là, cela a fait boule de neige chez tous les incroyables artistes de rockabilly moderne. » Née au Texas, élevée dans l'Ohio et maintenant basée à Nashville, Rose a sorti son premier album Poultricide en 2011

 suivi de Damaged Goods

et Over It

 tous remplis de ses compositions originales. Le mélange déchirant de rockabilly et de rythme et de blues de Rose a attiré l'oreille des guitares Gretsch, qui l'ont signée en tant qu'endosseur en 2019, rejoignant les rangs de joueurs d'élite tels que Setzer, Bo Diddley, Chet Atkins et Duane Eddy. Cette année, Rose a remporté le prix Ameripolitan de la meilleure artiste rockabilly féminine, célébrant ainsi sa contribution à la musique Roots.

 

Qu’est-ce qui vous a donné envie de devenir musicien ? Oh mon Dieu, c’est une question difficile à laquelle il est difficile de répondre clairement. La musique m'émeut, elle m'inspire, elle me maintient en vie en la jouant, en l'écoutant, en la créant. Je ne dirais pas qu’il y a quoi que ce soit qui ait été l’inspiration numéro un. Quand j’étais enfant, j’écrivais beaucoup de poésie et finalement, lorsque je suis devenue adolescente, celles-ci se sont transformées en chansons.

Ayant grandi dans le Kentucky, nous écoutions beaucoup de musique bluegrass et mon père était un fan de rock'n'roll old school, j'ai donc grandi en écoutant toute une série d'artistes des années 50 et 60. Quand j'ai finalement découvert le rockabilly, c'était comme un mélange de musique bluegrass et de rock'n'roll des années 50 que j'écoutais en grandissant. Ça a juste cliqué et j’ai adoré.Je n'ai jamais eu de cours de chant. J'ai juste écouté mes chanteuses préférées comme Bonnie Raitt, Big Mama Thornton et Ruth Brown, et j'ai fait de mon mieux pour leur ressembler.

J'ai commencé par jouer du violon. J'étais obsédé par Sherlock Holmes quand j'étais enfant,et il jouait du violon, alors je le voulais. J'ai découvert que s'accompagner était difficile à faire au violon, j'ai donc commencé à apprendre la guitare en autodidacte. J'ai acquis la plupart des bases d'un livre d'accords de Mel Bay, puis j'ai suivi des cours avec le guitar hero local Cort Duggins.

Les Deadend Boys originaux ont été trouvés sur Craigslist et par l'intermédiaire d'amis communs. Le line-up actuel existe depuis environ quatre ou cinq ans.J'étais super excité d'avoir the English Deadends ! Lors de notre tournée au Royaume-Uni, nous avions Trevor Coveney à la contrebasse et Colin Green à la guitare électrique. Trevor est un bon ami de Wayne, notre batteur. Lorsque Wayne vivait en Angleterre, lui et Trevor jouaient ensemble dans un groupe appelé Cool Cat Cry. Trevor nous a ensuite présenté Colin.

J'aime mélanger un peu. Il y a des chansons plus traditionnelles, la plupart sont plus néo-rockabilly avec une influence blues.

Comment se déroule l’écriture des chansons ? Apportez-vous habituellement une chanson terminée au groupe ? Cela varie vraiment d’une chanson à l’autre. Parfois, j'ai une chanson complète, du début à la fin, et nous l'embellissons simplement avec le groupe. D’autres fois, je n’ai que des paroles et parfois seulement une mélodie. Pour moi, l’écriture de chansons est très organique. Cela me vient à des moments aléatoires et je prends juste des notes jusqu'à ce que je sois prête à m'asseoir et à consacrer plus de temps à terminer la chanson.

Quels sont vos favoris pour jouer en live ? C'est comme demander de choisir un enfant préféré ! Chaque chanson est individuelle et différente en soi et a sa propre histoire. J'aime regarder le public réagir aux chansons et en tirer ce qui compte le plus pour lui. Cela signifie tout un monde de les voir chanter aussi. Des chansons comme Bad Lir Betty, Hot Rod Daddy, Bitten et Queen Bee me faisaient toujours sourire en voyant les gens danser sur elles.

Nous jouerons dans n’importe quelle salle. J'ai joué dans des salles de concert, des théâtres, des bars à vin, des bars clandestins, des clubs de motards, des salons automobiles... Il n'y a pas vraiment de public type, et à mon avis le rockabilly est un genre peu connu mais une fois que les gens l'entendent, ils l'adorent. . Je ne me limite pas à l'endroit où nous jouons, je veux que tout le monde l'entende, en fasse l'expérience et s'amuse.

Qu'est-ce que cela signifie pour vous de remporter l'Ameripolitan Award de la meilleure rockabilly féminine cette année ? C'était une surprise. Je ne m'attendais pas à gagner. Cela signifiait vraiment beaucoup. Il y a un moment dans la vie de chaque artiste où il se demande si ce qu'il fait compte vraiment, si le sacrifice en vaut vraiment la peine et si les gens s'en soucient réellement.

C'est vraiment un honneur de remporter un prix que tant d'artistes extraordinaires avant moi ont remporté. Être regroupé dans cette catégorie est époustouflant. Je porte cet honneur avec une grande fierté et brandis le drapeau américain chaque fois que je le peux. Dale Watson et Céline Lee ont fait un travail incroyable en mettant en lumière des artistes que certaines personnes n'auraient jamais découverts. La publicité liée à notre participation aux Ameripolitan Awards a définitivement accru la connaissance de nous par le public.. Honnêtement, c’est assez difficile d’égaler toutes ces choses incroyables qui se produisent. Chaque année semble apporter de nouvelles opportunités amusantes. Se faire de nouveaux amis et rencontrer des musiciens incroyables. Cette année, nous avons eu l'honneur d'ouvrir la scène du salon automobile à Viva Las Vegas et, bien sûr, l'Ameripolitan Award a été un moment fort.

À quoi ressemble l’année 2024 pour Jane Rose & The Deadends ? La domination du monde. Je plaisante, mais...

a plus ...

merci à eux d exister en tout cas .

Let’s Rock 

Let's Rock (connu sous le nom de Keep It Cool au Royaume-Uni) est un film rock and roll sorti en JUIN 1958 

Cast

• Julius LaRosa as Tommy Adane
• Phyllis Newman as Kathy Abbott
• Conrad Janis as Charlie
• Joy Harmon as Pickup Girl (as Joy Harman)
• Paul Anka as himself
• Danny and the Juniors as Themselves - Performers ('At The Hop')
• Roy Hamilton as himself
• Wink Martindale as himself
• Della Reese as herself
• The Royal Teens as Themselves
• Al DeNittis as Tyrones Saxophonist (as the Tyrones)
• Tyrone DeNittis as himself (as the Tyrones)
• George Lesser as Tyrones Singer (as the Tyrones)
• Paul Sherman as himself / MC
• Harold Gary as Shep Harris

Directed by Harry Foster

Written by Hal Hackady

Produced by Harry Foster

Starring Julius LaRosa

Phyllis Newman

Conrad Janis

Cinematography Jack Etra

Edited by S. Charles Rawson

Music by Tony Pastor

Distributed by Columbia Pictures

Release date 

June 1958

Running time 79 minutes

Country United States

Language English

the Tyrones, Paul Anka, Wink Martindale, Roy Hamilton, Danny & the Juniors and the Royal Teens.

 

 

Mimi Roman ouvre le courrier dans la cuisine de sa maison du Connecticut un après-midi d'automne. «Je reçois trois ou quatre lettres de fans par semaine et ils m'envoient tous une photo de moi et d'Elvis à dédicacer. Je déteste juste cette photo. Je déteste cette robe que je porte et le sac que je porte.

 

"C'était juste un jeune homme adorable et charmant. Quand je l'ai rencontré - il avait 19 ans, je pense, et j'en avais 20 - il me connaissait parce que j'avais sorti quelques enregistrements. Nous étions à la convention des disc-jockeys à Nashville en 1955. Je n'oublierai jamais la première fois que je l'ai vu parce qu'il portait une chemise en dentelle rose et un pantalon noir. Et pour un homme, porter une chemise en dentelle à cette époque était assez choquant. moi et il a dit: "Mme Roman, j'aime votre musique, et j'ai pensé que nous pourrions peut-être parler.""Et je me suis dit : 'Oh, eh bien, je ne peux pas passer beaucoup de temps avec lui', parce que cette tenue me paraissait si étrange. Alors j'ai dit : 'Attends ici et je reviendrai. Et nous allons discuter.' Et puis je suis allé ailleurs.Plus tard nous sommes devenus amis ."Il est venu à New York. Il n'aimait vraiment pas New York, et il n'aimait pas particulièrement les New-Yorkais, mais j'étais la seule personne qu'il connaissait. Alors, il m'a appelé et nous sommes sortis dîner et Ensuite, direction cinéma, parce qu'il aimait les films. C'était vraiment ce qu'il voulait être, une star de cinéma. Et c'était tout simplement incroyable. Comme je l'ai dit, vous savez, il regardait le film et je le regardais, parce qu'il était si beau. Et il était si gentil. Nous n'allions jamais nulle part sans qu'il n'appelle sa mère et personne ne savait qui il était.Je veux dire, nous pouvions aller n'importe où et faire tout ce que nous voulions. Et personne ne le dérangeait , parce qu'il n'avait pas encore fait (le Ed Sullivan Show). Il n'avait pas fait ça. Et donc personne à New York ne savait qui il était. Alors, nous avons juste traîné ensemble et vous savez, joué de la musique. Et la dernière fois Je l'ai vu, il avait le scénario de son premier film. Et j'ai lu avec lui, pour qu'il puisse répéter les répliques et tout le reste. Et j'ai pensé qu'il était en route pour la gloire. "

Avec  Mimi Roman, au  WSM's 4th Annual Disc Jockey Festival, Nashville - Vendredi 11 Novembre  1955 ...

Bien que son amitié avec un Elvis d’avant la célébrité soit souvent la première ligne de sa biographie, Roman a sa propre place dans l’histoire en tant que l’une des premières réussites féminines de la musique country, ainsi qu’un super passage ou  "temps" dans les premières années du rock et de la pop.Elle a été témoin de la naissance du rock’n’roll, du rockabilly et du « son Nashville » sophistiqué de la country . 

Elle s'est  produit sur des scènes emblématiques telles que le Grand Ole Opry et a enregistré des démos pour les auteurs-compositeurs de l’âge d’or du Brill Building de New York... Mais au milieu des années 80, elle a quitté l’artistique  pour donner la priorité à la  famille et est devenue agent immobilier – puis assistante du musicien Michael Bolton.

Dans cette même cuisine pendant le confinement, Roman a reçu un appel du documentariste Joe Hopkins, qui a donné lieu au film Brooklyn Cowgirl : The Mimi Roman Story, sorti l'année dernière. Cela a conduit à une invitation à se produire au Swelltune Records Bay State Barn Dance de cette année à Beverly, Massachusetts. Ainsi, début septembre, MIMI s'est produit pour la première fois depuis plus de  40 ans. «Je ne dis jamais non», dit-elle. "Si une porte s'ouvre, je la franchis."

Nous nous retirons dans son salon où repose dans son étui la guitare qui l'a accompagnée tout au long de sa carrière, son nom incrusté sur le manche. En 1934, Roman est née Miriam Lapolito, fille d'une fille du Radio City Music Hall et d'un bookmaker du Bronx. À l'âge de 10 ans, elle était Mimi Rothman après que sa mère se soit remariée et ait déménagé à Brooklyn. Dans les années 40, le quartier offrait de grands espaces, des écuries et des pistes cavalières et Mimi rencontra un groupe de cavaliers appelés the  Brooklyn Cowboys. En peu de temps, elle est devenue une cavalière habile et primée. Lorsque le rodéo annuel a eu lieu au Madison Square Garden, Mimi Rothman est devenue  Mimi Rohman – après avoir découvert que l'un des juges était antisémite – et a été nommée reine du rodéo.

Son histoire d’amour avec la musique country avait commencé à 16 ans lorsqu’un ami lui jouait Waiting for a Train de Jimmie Rodgers. « La simplicité de la chanson et de l’histoire – j'en suis tombée amoureuse puis  de la musique », se souvient-elle. "J'en avais juste envie, alors je passais mes nuits à essayerd'entendre  des stations de radio provenant d'endroits comme la Virginie occidentale, Washington et le Texas." Elle a commencé à chanter et s'est frayé un chemin vers le circuit des émissions de talents télévisés et, au Tennessee, elle a été présentée au  pré-célébre Everly Brothers. Même si elle n'a pas réussi à les convaincre qu'ils avaient besoin d'une chanteuse, ils sont devenus amis et Roman les a accompagnés lors de leur visite à New York. «Ils étaient vraiment deux personnalités complètement différentes», dit-elle. «Phil était maladroit et il était plutôt drôle et Don était très sérieux. J'étais ami avec le maladroit".

 Roman fut bientôt invité à se produire dans l'émission télévisée Midwestern Hayride de Cincinnati et enregistra une émission de radio quotidienne de 15 minutes avec le groupe country(d'avant-célébrité), the Willis Brothers. "Le plus drôle, c'est qu'à la fin, j'ai dû chanter un hymne", rit Mimi. « Vous savez combien d’hymnes un chanteur juif de Brooklyn connaît ? Pas trop! J’ai appris sur le tas.

Roman a décroché un contrat d'enregistrement avec Decca. Owen Bradley, son futur producteur et architecte clé du son de Nashville, a joué du piano sur ses premiers enregistrements, réalisés dans l'auditorium  Ryman complètement vide ,fameux siège de l'émission de radio Grand Ole Opry.

 

sorti apres  LITTLE LOVIN de DECCA en  MAI 56  la sous KAPP en 1959

 "Cela m'a affecté plus que n'importe laquelle des autres émissions que j'ai faites", dit Roman. «J'écoutais Opry à la radio depuis de nombreuses années et je connaissais tous les artistes comme Hank Williams qui étaient sur scène. Cela signifiait quelque chose pour moi. Elle se produira bientôt sur la même scène, pour l’émission radio de WSMU. C'était à l'aube du son Nashville, qui remplacerait le son honky tonk ...Roman est devenue l’une des rares femmes à percer à cette époque. «Quand Mimi a commencé, Nashville avait toutes ces idées préconçues ... « Loretta Lynn n’avait pas encore eu de succès et Patsy Cline ne faisait que commencer, donc il n’y avait pas beaucoup de modèles pour les femmes à succès dans la musique country. Mimi a comblé une période entre l'ère du honky tonk et l'émergence du rock'n'roll, qui allait bouleverser les choses à Nashville et la faire basculer vers la recherche d'un autre son commercial qui pourrait rivaliser avec lui. Mimi était là à ce moment-là.Son label Decca a rapidement supprimé le « h » de son nom et l'a rebaptisée Mimi Roman de Salinas, en Californie. Le flou de ses activités qui a suivi comprenait le soutien à Johnny Cash et le fait de se produire devant 100 000 personnes lors de la célébration annuelle du musicien country Jimmie Rodgers. Et bien sûr, rencontrer Elvis. Lors de la convention des disc-jockeys de musique country de 1955 à Nashville, Elvis a été nommé star masculine la plus prometteuse. « Il savait qui j’étais, mais je ne savais pas qui il était », explique Roman. "J'ai cherché à m'éloigner de lui et il a continué à me suivre...

(VOIR EXPLICATION DÉTAILLÉE PLUS HAUT ..

Walter Winchell, le chroniqueur de potins et radiodiffuseur le plus influent des États-Unis, a rapporté qu'ils avaient une liaison. « Nous n’avions que 19 ans – il n’y avait rien ! » rit Romain. « Elvis n’était qu’un gentil gamin du Sud qui trouvait tout ce tumulte à son sujet très amusant.Lorsque Roman s'est rendu à l'aéroport avec Elvis immédiatement après le Ed Sullivan Show, « ces filles couraient après la limousine et j'ai réalisé que c'était probablement la dernière fois que j'allais le voir. Quand j'ai joué à Memphis, le numéro qu'il m'avait donné n'était plus en service et il avait déjà "déménagé"  en Californie.

"Quand Elvis est mort, je me souviens de m'être sentie si mal", dit-elle. « Quand je l’ai connu, nous allions où il voulait. Plus tard, j'ai réalisé qu'il était piégé. C’était la raison pour laquelle je ne me souciais vraiment pas d’être une grande star. C'était une caricature  du gamin que je connaissais. C’était juste une chose horrible qui arrivait à un garçon très gentil. Roman avait repoussé les avances de Parker pour la gérer. «J'ai dit à mon manager à l'époque que je ne voulais rien avoir à faire avec ce type», dit-elle. « Il y avait quelque chose chez lui que je n’aimais pas – juste malicieux. Si vous étiez New-Yorkais, ce qui était mon cas, vous pourriez repérer un escroc.Pourtant, Roman a eu sa propre expérience de célébrité en 1956. «Moi et Patsy Cline enregistrions le même week-end», explique Roman. Ils partageaient le même producteur, Owen Bradley, qui a plaisanté en disant que Cline était « un chanteur country qui veut chanter de la pop » et Roman était « un chanteur pop qui veut chanter de la country ».Alors que les chansons ont été divisées entre eux, Cline a obtenu Walking After Midnight, qui est devenu un single vendu à des millions de dollars et est considéré comme l'une des meilleures chansons country de tous les temps. Les chansons de Roman – Honky Tonk Girl et We’re Taking Chances – n’ont pas réussi à figurer dans les classements.

En 1957, Roman rejoint le spectacle itinérant de l’agence Philip Morris, qui comprenait certaines des stars les plus grandes et les plus populaires du pays : Carl Smith, Goldie Hill, brièvement Little Jimmie Dickens. Initialement prévu pour durer 13 semaines, le projet a connu un tel succès qu'il a duré 18 mois. Roman était généralement la seule femme dans un bus rempli d'hommes. Elle a posé les règles dès son arrivée à bord  et  « Pas de blagues juives ! » C'était un travail éreintant, qui a meme  ricochait dans le sud à bord d'un bus sans toilettes ni climatisation. « Nous avons brûlé deux bus d ailleurs ! » dit Romain.

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La tournée a permis de contourner la ségrégation. « La loi interdisait aux Noirs et aux Blancs de s’asseoir ensemble », explique Roman, « mais personne n’a dit qu’ils ne pouvaient pas se tenir ensemble ». Cet arrangement n'a pas été apprécié à New Bern, en Caroline du Nord. "Le Ku Klux Klan faisait des allers-retours devant le bâtiment, cinq ou six voitures, quatre dans chaque voiture avec leur capot", explique Roman. "Nous avons joué d'un bout à l'autre, sans entracte." Après le spectacle, le Klan et la police ont escorté le bus hors de New Bern. « J’ai dit : « S’ils savaient qu’il y avait un Juif dans ce bus, nous n’aurions aucune chance ! » Nous avions toutes les lumières éteintes. C'était très effrayant. Notre chauffeur de bus avait une arme à feu. Nous avions peur – et ils se demandent pourquoi j’ai abandonné le show business !

C’était la fin de la vie de tournée de Roman. «Cela m'a poussée à bout», dit-elle. Elle est rentrée chez elle à New York. Au début des années 1960, elle avait une fille avec l'auteur-compositeur Paul Evans. Elle a passé la décennie suivante en tant que chanteuse démo pour Associated Recording Studios et pop hit factory 1650 Broadway.

 Burt Bacharach, Goffin and King, Lieber and Stroller, Doc Pomus et  Neil Sedaka etaient susceptibles d entré dans le studio .s'asseyaient au piano et lui remettaient une feuille de paroles. Parfois, elle chantait des démos avec Paul Simon. Les souvenirs de Roman sont flous, dit-elle – elle sait qu’elle a enregistré des démos, des publicités, des enregistrements scratch pour les comédies musicales Funny Girl et Chicago. «J'ai chanté pour presque tous les écrivains du quartier.» Parfois, si un éditeur pensait que la démo de Roman était assez bonne, il la sortait en single.Elle a prit un pseudo pour présenter ses titres et même sortir des singles

KITTY FORD

titre qui va etre repris par Ricky Valance.

 

Mais lorsque Roman s'est remariée et a déménagé dans le Connecticut, elle a arrêté de chanter pour élever ses beaux-enfants. Après son divorce, elle a travaillé comme disc-jockey à Bridgeport et a joué avec un groupe country local le week-end. Lorsqu'elle se remarie au milieu des années 80, elle abandonne complètement la musique et devient agent immobilier. « Chanter était génial tant que ça durait, mais cela ne cadrait tout simplement pas avec ma vie à ce moment-là », dit-elle. Elle n'avait aucun regret. « Je n’ai jamais eu envie d’être aussi célèbre. Même si j’avais pu atteindre ce genre de célébrité, je ne voulais pas en payer le prix. La musique était derrière elle. «J'ai été mariée pendant 25 ans et mon mari ne m'a jamais entendu chanter.» Même Michael Bolton, qui l'a embauchée comme assistante personnelle après lui avoir acheté une maison à la fin des années 1980, n'a jamais eu connaissance de son passé. «Je n'en ai jamais parlé», dit Roman.

Après le retour de Roman sur scène en septembre, Cantrell l'a invitée à se produire avec son groupe en décembre dans le cadre de l'édition Brooklyn de sa série de concerts States of Country. «Je me suis simplement connectée à elle en tant que femme qui faisait de la musique parce qu'elle le voulait», explique Cantrell. "J'ai tout simplement adoré son énergie et elle a de belles histoires."

De son côté, Roman se dit ravie que ses réalisations soient reconnues, « même si c’était dans les années 50 ! » elle rit. "Je suis heureux de saluer, maintenant que je suis toujours là."

Mimi Roman a joué au concert States of Country à Union Pool, Brooklyn, New York, le 3 décembre

 

MERCI A ELLE POUR TOUT ...

 

 

AMERICAN GRAFITTI

 Titres original et français : American Graffiti

Titre québécois : Graffiti américain2

Réalisation : George Lucas

Scénario : Willard Huyck, Gloria Katz et George Lucas

Direction artistique : Dennis Clark

Costumes : Aggie Guerard Rodgers

Photographie : Jan D'Alquen et Ron Eveslage

Montage : Verna Fields et Marcia Lucas

Musique : The Platters, Chuck Berry, Fats Domino, Buddy Holly, Bill Haley, The Beach Boys, etc.

Production : Francis Ford Coppola et Gary Kurtz

Sociétés de production : Lucasfilm, The Coppola Company, Universal Pictures3

Société de distribution : Universal Pictures

Budget : 777 000 dollars4

Box-office : 140 millions de dollars

Pays d'origine : Drapeau des États-Unis États-Unis

Langue : Anglais

Format : Couleur - 35 mm (Techniscope) - 2,35:1 - Dolby

Genre : Comédie

Durée : 112 minutes

Dates de sortie :

États-Unis : 1er août 1973 (avant-première) ; 11 août 1973 (sortie nationale)

France : 1er mars 1974

 

DISTRIBUTION

Richard Dreyfuss (VF : Bernard Murat) : Curt Henderson

Ron Howard : Steve Bolander

Paul Le Mat (VF : Pierre Arditi) : John Milner

Charles Martin Smith (VF : Roger Crouzet) : Terry Fields, dit la Grenouille

Candy Clark (VF : Monique Thierry) : Debbie Dunham

Mackenzie Phillips (VF : Marie-Martine) : Carol

Cindy Williams (VF : Sylviane Margollé) : Laurie Henderson

Wolfman Jack (VF : Henry Djanik) : lui-même, l'animateur radio

Bo Hopkins (VF : Jacques Richard) : Joe Young

Harrison Ford (VF : Yves-Marie Maurin) : Bob Falfa

Manuel Padilla Jr. : Carlos

Beau Gentry : Ants

Jim Bohan : officier Holstein

Jana Bellan : Budda

Deby Celiz (VF : Francine Lainé) : Wendy

Kathleen Quinlan : Peg

Lynne Marie Stewart (VF : Arlette Thomas) : Bobbie Tucker

Terence McGovern (VF : Michel Paulin) : M. Bill Wolfe

Scott Beach (VF : William Sabatier) : M. Gordon

John Brent (VF : Albert Augier) : le vendeur de voiture

Gordon Analla (VF : Michel François) : Bozo

John Bracci (VF : Jean Lagache) : le pompiste

George Meyer (VF : Georges Aubert) : le clochard au magasin d'alcool

William Niven (VF : Jean Berger) : le gérant du magasin d'alcool

James Cranna (VF : Daniel Gall) : le voleur du magasin d'alcool

Kay Lenz : Jane

Chris Pray (VF : Dominique Collignon-Maurin) : Al

Jan Dunn (VF : Marie Francey) : la vieille dame

Charlie Murphy (VF : Gérard Férat) : le vieil homme

Al Nabandian (VF : Raoul Delfosse) : Hank Henderson

 

Si aujourd'hui c'est Star Wars qui est considéré comme le chef-d'œuvre de George Lucas, c'est American Graffiti qui reste son trait le plus personnel.

Le film de Lucas se déroule juste un an avant l'assassinat du président John F. Kennedy et l'escalade de la guerre au Vietnam qui a suivi. Au moment de la sortie d'American Graffiti, Martin Luther King et Robert F. Kennedy avaient été assassinés et le scandale du Watergate – qui allait éventuellement renverser un président – était en plein essor. Si les États-Unis ont connu une période d’innocence au XXe siècle, American Graffiti la surprend vers sa fin, avant les guerres culturelles cancéreuses de la fin des années 60. Et pourtant, le film capture également un moment de transition dans la culture populaire, alors que le rock'n'roll a cédé la place à la pop. "Je n'aime pas cette merde de surf", dit le vieux hot roder John Milner

Lors de la production de THX 1138 (1971), le producteur Francis Ford Coppola a mis le co-scénariste/réalisateur George Lucas au défi d'écrire un scénario qui plairait au grand public. Lucas a adopté l'idée, en utilisant ses expériences de croisière au début des années 1960 à Modesto, en Californie. "Les croisières avaient disparu et je me sentais obligé de documenter toute cette expérience et ce que ma génération utilisait comme moyen de rencontrer des filles", a expliqué Lucas. En développant l’histoire dans son esprit, Lucas a inclus sa fascination pour Wolfman Jack. Lucas avait envisagé de faire un documentaire sur Wolfman lorsqu'il fréquentait l'USC School of Cinematic Arts, mais il a finalement abandonné l'idée.

 

 En ajoutant des connotations semi-autobiographiques, Lucas a mis l'histoire dans sa ville natale de Modesto en 1962. Les personnages Curt Henderson, John Milner et Terry "The Toad" Fields représentent également différentes étapes de sa jeune vie. Curt s'inspire de la personnalité de Lucas pendant l'USC, tandis que John est basé sur les années d'adolescence de Lucas dans les courses de rue et au collège, ainsi que sur les passionnés de hot rod qu'il avait connus de la Kustom Kulture à Modesto. Terry représente les années  en tant qu'étudiant de première année au lycée, en particulier sa « malchance » avec les fréquentations. Le cinéaste s'est également inspiré des I Vitelloni (1953) de Federico Fellini ...

Lucas a passé une bonne partie de  1971 et le début de 1972 à essayer de lever des fonds pour le scénario American Graffiti. Pendant ce temps, Metro-Goldwyn-Mayer, Paramount Pictures, 20th Century Fox et Columbia Pictures ont tous refusé l'opportunité de cofinancer et de distribuer le film.Lucas et le producteur Gary Kurtz ont présenté le scénario à American International Pictures, qui a exprimé son intérêt, mais a finalement estimé qu'American Graffiti n'était pas suffisamment violent ou sexuel pour les standards du studio. Lucas et Kurtz ont finalement trouvé grâce chez Universal Pictures, qui a accordé à Lucas un contrôle artistique total et le droit au privilège du montage final à la condition qu'il réalise American Graffiti avec un budget strictement réduit.(des scènes ont du etre abandonnées) 

 

 

 En regardant American Graffiti à travers l’objectif de 2023, cela ressemble à un film plutôt étoilé. Il y a Richard Dreyfuss, Harrison Ford, Ron Howard, Cindy Williams... Pourtant, à part Howard, qui jouissait d'une certaine renommée grâce à son rôle dans l'émission télévisée The Andy Griffith Show, aucun des acteurs principaux n'était connu...

Dreyfuss, qui sera plus tard en tête d'affiche de Les Dents de la mer et Rencontres du troisième type de Steven Spielberg, a été choisi pour incarner le malchanceux Curt Henderson (plus de 100 acteurs ont été auditionnés) et Harrison Ford, alors âgé de 30 ans, pour incarner l'arrogant Bob Falfa.De l’avis de tous, c’était un décor tapageur et souvent d'acteurs indisciplinés. Un jour, Ford a été arrêté après s'être battu et a passé une nuit derrière les barreaux, tandis que Dreyfuss a subi une vilaine entaille au front après que l'acteur Paul Le Mat l'ait jeté dans une piscine.

 Après avoir refusé de sortir avec ses camarades, Ron Howard s'est fait lancer des bouteilles de bière par Le Mat, Ford et d'autres, ce qui a amené les parents de Howard à menacer de poursuivre les producteurs du film en justice.'actrice Mackenzie Phillips (fille de John Phillips des Mamas And The Papas), quant à elle, n'avait que 12 ans à l'époque, et Gary Kurtz admet qu'il avait envisagé de la retirer du film, tellement il s'inquiétait de sa présence si difficile.  Lucas avait espéré tourner dans son bien-aimé Modesto, mais a finalement décidé que cela avait trop changé depuis 1962. Au lieu de cela, le film devait être tourné à San Rafael dans le comté de Marin, au nord de San Francisco, mais après deux jours de tournage, Lucas et co . ont été invités à partir après que le conseil se soit inquiété des perturbations dans les entreprises locales. Au lieu de cela, la production s'est installée à Petaluma, une petite ville située à 20 miles de là.

Le film a duré 28 jours, principalement de nuit, laissant Lucas chroniquement fatigué faire le montage pendant la journée. Pour le reste de l’équipe, travailler la nuit signifiait qu’American Graffiti était un tournage particulièrement difficile. "Il y a eu des problèmes logistiques considérables avec les voitures, le froid, les disputes, tout...suggérant au réalisateur stupéfait qu'ils pourraient peut-être le vendre à une chaîne de télévision. Francis Ford Coppola, debout à proximité, se pencha. "Tu dis que tu ne peux pas le vendre, Ned ? Parfait, je vais l'acheter pour toi ! Ici et maintenant Dis-moi un prix et je te ferai un chèque." Même si Coppola n'a pas finalement acheté le film, son enthousiasme pour le film a contribué à le sauver (démenti par certains) . Lucas finirait par supprimer une poignée de scènes, resserrant ainsi l'histoire, tandis qu'Universal finirait par dépenser un demi-million de dollars pour sa promotion. "Où étais-tu en 62 ?" » était  le slogan du film. (bien vu) .

En janvier 1973, Lucas avait terminé son film, qu'il a décidé de présenter en avant-première dans une salle de cinéma de San Francisco à un public d'adolescents du secondaire. Ils l'ont apprécié. " Mais malgré l'accueil enthousiaste des adolescents, Universal, et notamment leur vice-président en charge de la production, Ned Tanen, sont restés sceptiques. Le film était trop fluide. Il n'y avait pas d'histoire. Il n'y avait pas d'acteurs principaux. Ce n'était pas le cas.

 American Graffiti est finalement sorti en salles le 11 août 1973 et a connu un succès instantané, rapportant 55 millions de dollars au box-office. Et les critiques étaient tout aussi enthousiastes, de la musique aux oreilles de George Lucas, qui avait beaucoup souffert de la part de la presse après la déception de THX 1138. "American Graffiti est un film tellement drôle, précis, tellement contrôlé et efficace dans sa narration.

New York Times est négatif au début . Variety, quant à lui, a écrit qu'American Graffiti était un vif "rappel des attitudes et de la morale des adolescents, raconté avec une empathie et une compassion exceptionnelles à travers un casting exceptionnellement talentueux d'acteurs inconnus."Pauline Kael de Le New Yorker s'est montré une rare voix de dissidence, notant que le film "ne parvient pas à être autre chose qu'une comédie chaleureuse, agréable et dragueur, parce qu'il n'y a rien pour étayer le style". Les images ne sont pas aussi frappantes visuellement qu’elles le seraient si seulement il y avait un esprit derrière elles ; le film n'a aucune résonance, sauf le son du juke-box et le look étrange et nocturne du juke-box ; »

Universal réédita American Graffiti en 1918, pour capitaliser sur le succès de Star Wars (cette fois, c'était « du réalisateur de Star Wars », au lieu de « du producteur du Parrain), et de son succès (il rapporta 63 millions de dollars cette année-là) a incité le studio à envisager de financer une suite.Cependant, Lucas était réticent à se lancer en tant que scénariste et réalisateur, préférant se concentrer sur une suite de Star Wars. Au lieu de cela, il a engagé Bill I. Norton pour écrire et réaliser (il avait contacté Robert Zemeckis et John Landis, qui avaient tous deux refusé.

La plupart des acteurs sont revenus, à l'exception de Richard Dreyfuss, mais malgré cela, le film n'a pas été à la hauteur du box-office de l'original et a été torréfié par la critique. Janet Maslin du New York Times a qualifié le film de "grotesquement mal conçu, à tel point qu'il éradique presque les bons souvenirs de l'original...et j en passe!!!

revenons au 1 

American Graffiti détient un score de 96 % sur le site de critiques Rotten Tomatoes, le site Web le qualifiant de « l'un des films pour adolescents les plus influents, American Graffiti est un regard drôle, nostalgique et doux-amer sur un film pour adolescents. groupe de récents diplômés du secondaire, les derniers jours d'innocence. Rotten Tomatoes n'est pas hyperbolique en le qualifiant de "l'un des films pour adolescents les plus influents". Il existe un argument convaincant selon lequel Grease ne serait pas arrivé si American Graffiti n'avait pas réveillé Hollywood à l'attrait de la nostalgie des années 50 et du début des années 60, et certainement de Happy Days, l'un des plus grands succès de sitcom des années 1970 (qui incluait Ron Howard dans son casting). ), n'aurait pas reçu le feu vert sans le film de Lucas. Et le film a même donné naissance à une suite dans More American Graffiti...

Cinquante ans après sa sortie, American Graffiti est considéré comme l'un des films canoniques pour adolescents, et que dire de sa bande originale - qui contient des classiques de juke-box tels que Rock Around The Clock, That'll Be The Day, Why Do Fools Fall In Love, Smoke Gets In Your Eyes and Runaway -

 Pendant le tournage du film, Dennis Stock a visité le plateau et le lieu de tournage de la Bay Area, capturant les moments des coulisses de la production sur dix rouleaux de film. Stock était célèbre pour ses photographies d'acteurs et de musiciens de jazz, et serait à jamais connu comme le photographe qui a immortalisé et s'est lié d'amitié avec James Dean en 1955 avec sa série de photos représentant la jeune star de cinéma se promenant dans Times Square à New York. Ses photographies sur le tournage d'American Graffiti possèdent ce même sens de la franchise et de l'honnêteté.

 

 

 

Aisha Khan chante depuis plus de 25 ans de la musique américaine, du jazz, du blues et du rythm & blues des années 40/50.

 

 Aisha communique facilement une gamme d'émotions , continuant à honorer la tradition des vraies Divas. 

 

Les premières influences d'Aisha viennent d'Elvis à Sarah Vaughan, en passant par Billy Bragg et Northern Soul. Naturellement attirée par les clubs rock incendiaires londoniens, elle a senti l'appel irrésistible du Black American Rhythm & Blues. Elle monte son premier groupe, Tiger Lily and the Jitterbugs, avec lequel elle a chanté pendant plusieurs années dans les festivals au Royaume-Uni et en Europe, clubs et événements de jazz, de blues et de rock & roll. 

 

 

 Elle s'est également produite lors de nombreux événements privés, Par la suite, elle a été la première chanteuse de Blue Harlem à jouer du Swing and Jump Jive, un big band de 10 musiciens. Elle a chanté avec Richard Berry, James Hunter et Mike Sanchez, entre autres.

Sort un album en 2017, Il contient 13 titres , allant de Rhythm & Blues à Rock & Roll en passant par le Calypso. Elle est l'instigatrice de l'organisation Roots Sisters, qui promeut et soutient les interprètes féminins de la musique Roots, à travers laquelle elle a été impliquée dans la promotion de soirées de musique live régulières et d'une émission de radio basée à Londres.

Sorti  de 2023 

 Folc Records est fier de présenter un nouveau classique du Blues sur un nouveau single double face A.

La reine britannique du rythme et du blues, Aisha Khan, livre une chanson qui vous frappe entre les yeux comme un coup de grâce de « Iron » Mike. La face B  présente une reprise de Cocaine Habit Blues du Memphis Jug Band des années 1930, qui a ignoré le style des Upsetters des années 50 pendant une vingtaine d'années et l'a agrémenté d'un clin d'œil au classique culte de Dillinger .

Aisha Khan: voc

Alan Nicholls: Saxes

Malcolm Barclay Guitar

Brian Nevill drums

Matt Radford bass

 Revenant dans le temps

A un moment elle s'égare,ne s'amuse plus !Alors que le nouveau millénaire approchait,Khan est devenue mère et a pris du recul "musical" . c'est fini pour moi maintenant j'avais des enfants .Puis j'ai divorcé !!! puis licensié de mon boulot .

C'est grace à LEO CASTRO que j 'ai pu refaire une connection musicale. Il m a fait connaitre et  conseillé Tiger Lily . J'ai repris vie et suis arrivé à écrire à partir sur scène etc ...

 La base ;le spectre de la musique vintage. "Nous voulions sélectionner la musique que nous aimons", explique Aisha. "Nous voulions que ce soit de la musique Roots, n'importe quel type de musique Roots des années 20 et 30 jusqu'au début des années 60. Soul, Blues, Skittle, Swing, Jazz manouche, Rockabilly...

L'album de duos d'Aisha, The Magnificent Twelve, devrait sortir en octobre via Folc Records et sera disponible via Sleazy Records, Sound Flat et Sonic Rendezvous. Seven Shades Blue suivra au printemps prochain. Un premier single double face A de Good Morning Midnight et Cocaine Habit Blues est maintenant disponible.

Grâce à des amitiés de longue date et à des liens forgés grâce à Malted Shake, Khan a réuni un casting de stars. pour son disque de duos actuellement sans titre. "Depuis que je suis très jeune, j'adore l'album Ella And Her Fellas, quand elle fait des duos avec Louis Armstrong, The Ink Spots, différentes personnes", dit-elle. "Cela a toujours été un rêve de le mien pour faire un album de duos. Un jour, j'ai dit à Leo et il m'a dit : 'C'est une excellente idée, tu devrais commencer à demander aux gens s'ils seraient partants. Alors, j'ai commencé à demander aux gens et voilà ...Big Sandy, Deke Dickerson, Jackson Sloan, Paul-Ronney Angel et Ray Gelato. Sont également présents Paul Ansell, Big Joe Louis, Howlin' Ric, The Hey Las ainsi que Carl Sonny Leyland, Carlos Bandido et Madeleine. Rose Witney.